Un programa presuntamente destinado a espiar a los conductores de Lyft vuelve a meter a Uber en graves problemas.
Un conductor de Lyft ha tomado acciones legales contra Uber a causa del polémico y no confirmado programa de la compañía llamado 'Hell', presuntamente destinado a espiar a los conductores de la competencia.
Michael Gonzales, exconductor de Lyft y demandante, ha acusado a Uber ante una corte federal en California por haber violado la Ley de Privacidad en Comunicaciones Electrónicas al "intencionalmente recolectar, almacenar e interceptar comunicaciones electrónicas".
De acuerdo con The Verge, 'Hell' habría sido desarrollado por la unidad de inteligencia competitiva de Uber (conocida como COIN) y tendría su contraparte llamada 'Heaven' destinada a reunir información de los propios conductores de la compañía.
Uber tiene 21 días para responder a la demanda y con ello, probablemente, se descubrirá si el programa 'Hell' existió.
También se suma a la demanda que la compañía enfrenta contra Waymo por la tecnología LiDAR, además de la investigación interna en curso por las acusaciones de sexismo sistemático en el ambiente laboral.
La película 'El Padrino' ('The Goodfather') de Francis Ford Coppola es, sin duda, una de las mejores cintas en la historia del cine. Así como el primer título de una trilogía inolvidable (pese a su tercera entrega).
En 1973 fue nominada por la Academia a 11 Premios Óscar de los cuales ganó 3: mejor película, mejor guion adaptado y mejor actor para Marlon Brando (hecho que daría pie a que el actor rechazara el premio y enviara a Sacheen Littlefeather, la cual leyó un comunicado que criticaba el trato que se le daba a los nativos americanos en las películas de Hollywood).
Tanto la novela de Mario Puzo (publicada en 1969) se vendió como pan caliente como la película fue un éxito en taquilla y entre la crítica. Pero todo esto no habría sido posible sin la bendición de la mafia de la vida real.
“Mafia? What is Mafia?”
(Izquierda a derecha) Mario Puzo, Coppola, Robert Evans y Al Ruddy
En la primavera de 1970 un hombre llamado Joe Colombo comenzó un movimiento llamado Liga de derechos civiles italoamericanos que buscaba acabar con los estereotipos de los italoamericanos en todas sus expresiones. Este hombre era nada menos que el jefe de la familia Colombo, una de las 'Cinco Familias' de la Cosa Nostra en Nueva York. Cuando un reportero le preguntó que si él era un jefe de la mafia el contestó: "¿Mafia? ¿Qué es mafia? No hay ninguna mafia. ¿Que si yo soy cabeza de una familia? Sí. Mi esposa, mis cuatro hijos y mi hija. Esa es mi familia."
Cuando se dio a conocer sobre la confección de la película, la oposición de la Liga no se hizo esperar: actores y gentes de la producción fueron amenazados varias veces. Incluso las oficinas ejecutivas de Paramount y Gulf & Western (casa productora) fueron evacuadas en dos ocasiones por amenazas de bomba.
Cuando las llamadas de amenazas llegaron al productor, Al Ruddy, este no tuvo más remedio que reunirse con Colombo. La cita tuvo lugar en el hotel Park Sheraton, trágicamente famoso por ser el lugar donde fuera asesinado Albert Anastasia (otro famoso líder mafioso) mientras se encontraba en la barbería de las instalaciones. Ruddy declaró en su momento que se trató más bien de una reunión tranquila, después de todo Colombo estaba ahí en calidad del presidente de la Liga y nada más.
Ruddy le explicó a Colombo que la película no buscaba menospreciar a la comunidad italoamericana sino que se trataba de una mera ficción en donde había tanto un policía irlandés como un productor judío corruptos. Seguido de esta explicación le pidió reunirse en su oficina a leer el guion para que él estuviera seguro de las intenciones de la película.
Ruddy ha explicado que esa reunión tuvo lugar como lo habían programado el día anterior. Colombo apareció puntualmente en su oficina junto a dos hombres más. Cuando el productor le extendió el guion a Colombo este se preparó a leer, sin embargo, a penas comenzó a leer cuando preguntó qué significaba "fade-in". "Entonces me di cuenta de que Joe (Colombo) no pasaría de la página dos", declaró Ruddy.
Tras pedir a sus acompañantes que leyeran y estos negarse, Colombo resumió su interés en una sola cosa: no querían que la palabra "mafia" fuera usada en la película. Este había sido uno de los objetivos primordiales de la Liga: que esa palabra se desvinculara por completo de los italoamericanos. Por su parte, Ruddy accedió de inmediato; de antemano sabía que "mafia" aparecía una sola vez. Ambos, Colombo y Ruddy cerraron el trato.
Antes de irse Colombo pidió una cosa más, que lo recaudado en la premier fuera donado a la Liga. Ruddy accedió de buena gana (aunque esto no se concretaría). Las cosas no terminaron ahí pues Colombo pidió la asistencia de Ruddy a una conferencia de prensa, el productor creyó que se trataría de una pequeña reunión ante medio italianos pero estaba equivocado: a la reunión asistieron medios de todos los tamaños.
Al día siguiente de la conferencia el daño estaba hecho: los titulares anunciaban la bendición de la mafia al proyecto de la película. Los ejecutivos mandaron llamar a Ruddy y lo despidieron. La bolsa de valores indicaba una baja en las acciones de la productora. Sin embargo, Coppola les dejó muy en claro que la película jamás podría hacerse sin Ruddy. El productor obtuvo su puesto de vuelta.
El resto, como se dice, es historia. Se confeccionó una de las películas más destacadas del cine con una maestría que parece inigualable. Las historias detrás del proyecto son apasionantes, como cuando Mario Puzo le escribió a Marlon Brando explicándole que él era el único en el mundo capaz de dar vida a Don Vito Corleone o la lucha encarnizada por los papeles principales de la cinta.
Por otro lado, Joe Colombo pasó sus últimos siete años de vida en coma hasta su muerte el 22 de mayo de 1978 a causa de un atentado perpetrado por Jerome A. Johnson, quien se hizo pasar por reportero colándose hasta las primeras filas de un acto masivo de la Liga Italo-Americana. Tras disparar contra Colombo los guardaespaldas de este lo detuvieron y le dispararon. Las sospechas indican que Johnson era un sicario del capo contrario a Colombo, Joe Crazy Gallo.
Así pues, este es uno de los muchos relatos detrás de la franquicia basada en la novela de Mario Puzo, quizá una de las más destacadas porque sin la bendición de la mafia probablemente no habría avanzado el proyecto y estaríamos comentando otras historias detrás de 'El Padrino'.
Los detenidos falsificaron presuntamente más de 50.000 recetas para adquirir tranquilizantes.
El principio activo de las benzodiacepinas se utiliza para fabricar la droga karkubi.
Una operación conjunta de la Guardia Civil y de la Policía Nacional ha detenido a 18 personas por falsificar presuntamente más de 50.000 recetas, con las que compraban benzodiacepinas. Estos medicamentos, entre los que se incluyen fármacos como el diazepam o el lexatin, se utilizan normalmente como tranquilizantes para el tratamiento de la ansiedad y el nerviosismo a dosis bajas, aunque a dosis más altas pueden actuar como sedantes y relajantes musculares.
La red desmantelada ahora por las fuerzas de seguridad elaboraba supuestamente recetas falsas y adquirían las pastillas a través de pasadores en farmacias de toda España. Los detenidos están investigados -imputados- por delitos contra la salud pública, pertenencia a organización criminal y falsedad documental. El principio activo de las benzodiacepinas, según el comunicado de la Guardia Civil, era utilizado presuntamente para elaborar una droga llamada karkubi, que es consumida por las clases más desfavorecidas de Marruecos.
La investigación de la Guardia Civil y de la Policía Nacional comenzó a raíz de una inspección en abril de 2015 en una farmacia de Cádiz. En ese momento, la administración detectó un incremento en la falsificación de recetas médicas privadas para obtener un medicamento con clonazepam, un fármaco del grupo de las benzodiacepinas. Meses después, un psiquiatra denunció que se estaban expidiendo recetas empleando su nombre y su número de colegiado para conseguir tranquilizantes.
Fuente: Pixabay.
A partir de ahí, la investigación se extendió desde Cádiz a otras provincias andaluzas, aunque los agentes detectaron recetas falsificadas en todo el territorio nacional. La Guardia Civil y la Policía Nacional han encontrado recetas falsas en las Comunidades Autónomas de Extremadura, la Comunidad Valenciana, Castilla-La Mancha, Madrid, Galicia, La Rioja, Cantabria, Castilla y León, Ceuta, Galicia y Murcia, aunque la mayoría de personas que adquirían las benzodiacepinas de este modo eran vecinos de Algeciras y Ceuta.
El principio activo de los tranquilizantes se emplea para desarrollar el karkubi, un psicotrópico que circula en los barrios más desfavorecidos de Marruecos. La droga también se vende con los apelativos de "Cartucho", "Recarga", "Ampolla roja" o "Guadalupe", según recogió un reportaje de la agencia EFE Salud. La droga se comercializa a precios que rondan los 2-7 euros, y sus efectos incluyen alucinaciones y conductas psicópaticas.
Sniper Ghost Warrior 3 llega con una propuesta muy interesante de mundo abierto y con algunas mejoras respecto a las entregas anteriores, pero también con el lastre de un apartado técnico cuestionable y algún que otro problema de rendimiento, al menos en su versión para PS4.Los juegos de tiradores son un nicho que, de un tiempo a esta parte, tienen su público. Las mejoras en la tecnología han propiciado un boom de esta clase de títulos y, aunque la mayoría suelen ser mediocres, hay dos, cada uno en su propio nicho, que se han hecho un hueco en este mercado tan competitivo y con tantas novedades semanales como es el de los videojuegos. En este sentido, tanto Sniper Elite, en el segmento del juego bélico histórico y Sniper Ghost Warrior, en la ficción actual, han sido las dos franquicias que más han aportado a este mercado.
Si bien el germen de buena parte de las mecánicas de juegos de tirador moderno residen en los clásicos de caza, Sniper Elite ha sido sin duda el que más ha hecho por popularizar este género, y no fue hasta que Ghost Warrior se subió al carro, cuando la carrera empezó a ponerse interesante.
De nuevo, ambas franquicias comparten algo más que el género de nicho. Ambos títulos nacieron con un prominente foco en PC, aunque eventualmente han llegado al resto de plataformas. Ambos títulos han nacido en pequeños estudios y con pequeños presupuestos, y ambas franquicias no destacan, precisamente, por su portento técnico y sus saltos jugables entre las diferentes entregas.
Con todo, siempre han sido título más o menos interesantes con algunas propuestas en mecánicas que aumentaban la inmersión de una entrega a otra y aunque, en todo caso, han pecado enormemente de guiones simples y de poca profundidad, las historias siempre han sido suficientes para unas entregas en las que no era más que una excusa para disparar desde lejos.
Ahora bien, el paso del tiempo no ha sentado de la misma forma a ambas franquicias de referencia. Por un lado, los cambios introducidos en Sniper Elite, que ya reseñamos, le han sentado bastante bien, en términos generales, al juego. De su contrapartida moderna y obra de Ci Games, Sniper Ghost Warrior 3, no podemos decir los mismo. Y es que la madurez del título del estudio polaco le ha sentado, por decirlo suave, bastante regular.
Y es que hay muchas cosas que están rotas en Sniper Ghost Warrior 3. Bien, hay que reconocer que el título no viene de un gran estudio con gran presupuesto, pero echando la vista atrás, y comparándolo con la entrega anterior (sí, las comparaciones son odiosas) ha sido un paso a atrás en todos los sentidos. Las críticas de linealidad de los juegos anteriores han sido recibidas por Ci Games, pero no han sido transformadas en un solución a esa linealidad; se ha tomado el camino contrario: un sandbox metido con calzador para un título, que tomando lo peor de los sandboxes de Ubisoft nos obliga a replantear todo el concepto de juego.
Si bien es cierto que el contexto nos cuenta cómo esta flexibilidad puede ser un aliado especial para dotar de realismo al juego, lo cierto es que no está tan bien solucionado como se pensaría. Por un lado, el mundo está, literalmente, muerto. Algún soldado en nuestro camino, algún enemigo… pero más allá de las zonas de misión, no hay absolutamente nada que destaque o que no haga creer que ese es un entorno real. Cierto es que los modelados, los colores, o incluso la iluminación no ayudan a dar sensación de inmersión, pero en términos generales, con un poco más de cariño en este sentido se podrían haber superado los escollos principales de las entregas anteriores. El mundo abierto, además de las misiones principales se ha rellenado con el contenido clásico de este tipo de juegos: actividades del tipo de rescate de rehenes o secundarias de eliminación de objetivos específicos que sirven para subir puntos de experiencia o craftear recursos que necesitaremos para munición y accesorios.
Es en estas misiones es en las que brilla la libertad del mundo abierto, pero de nuevo, y valorándolo en el conjunto final, no es algo que beneficie la experiencia del jugador si ponemos todo en la misma balanza. Y es que ese mundo abierto no está aprovechado para lo que importa: cada misión se lleva a cabo en una misma zona, enorme, pero se limita a un punto determinado del mapa en vez de dar un contexto mayor, de más zonas, como en este tipo de juegos; bien se desplazarnos por el mapa, o llevar a cabo misiones multiobjetivo y multizona.
En todo este embrollo hay algo que hace bien Sniper Ghost Warrior 3: sigue recreando mejor que nadie el sistema de disparo de un tirador moderno. El juego, como suele ser habitual, ofrece profundidad en función de la dificultad. Sin ayudas, el juego saca todo su potencial, y es una experiencia de juego muy satisfactoria y solo lastrada por algunas carencias técnicas y caídas de frames puntuales en momentos del disparo cuando hay muchos elementos en pantalla o en momento de clima de lluvia. No obstante, es en este apartado, en el disparo, la planificación y la forma de afrontar la misión, donde destaca el juego. El drone, que ahora está presente en todos los títulos, ayuda enormemente, y lo cierto es que es un opción muy interesante en un juego que busca adaptarse a los nuevos tiempos.
Con todo, es título aceptable que, para los jugadores de nicho, hará de las delicias, pero cuyas carencias, para el público general, serán suficientes para empañar la experiencia. Las pantallas de carga, casi infinitas para las generalidades de la generación actual, el abuso de crafteo para los recursos o la inclusión de las mecánicas de mundo abierto sin terminar de encajar con el todo, son esos peros que dejan el sabor agridulce; al menos no tanto como una historia bastante interesante para este tipo de juegos y, en términos generales, un desarrollo narrativo que ha ganado enteros respecto a las entregas anteriores.
6.5Sniper Ghost Warrior 3 llega, retrasos de por medio, con un propuesta interesante para los jugadores de nicho de este tipo de juegos tirador, pero lastrado por un apartado técnico muy mejorable: un sandbox metido a calzador con tintes de Ubisoft pero sin terminar de pulir y, en definitiva, una lista de puntos negativos que empañan enormemente el disfrute del juego. Eso sí, en lo suyo, ambientación y experiencia jugable en términos de disparo, sigue siendo el mejor juego del género.- Las mecánicas de dispara siguen siendo las mejores.
- Las misiones secundarias y opcionales.
- La gestión del inventario.
- Algunas mejoras a la hora de planificar el escenario.- Apartado técnico.
- El sandbox no le sienta tan bien como esperábamos.
- Las pantallas de carga infinitas.
Con seguridad, la respuesta a la pregunta ¿cuántos libros existen en el mundo? jamás podrá ser exacta. Día a día se publican nuevos títulos en todo el mundo, además de que actualmente los sistemas de publicación no se limitan a la tradicional y sí ha habido un aumento considerable en la autopublicación.
Por otro lado, también encontramos al libro electrónico que tiene su propio nicho. Así como las plataformas donde es posible consultar libros, comprarlos y venderlos. En resumen estamos ante una verdadera evolución desde los primeros libros impresos y todavía más atrás: cuando se copiaban a mano o cuando los soportes eran tablillas de arcilla o papiros.
Pero ¿qué es un libro en todo caso? Aunque la respuesta parece obvia realmente no lo es. Por ejemplo: ¿una traducción cuenta como un libro o es el mismo libro que el original? ¿Las ediciones de una obra son un solo libro o cada una es un libro distinto? ¿Qué sucede con las compilaciones o las enciclopedias, son un mismo libro o cada tomo es uno?
A estas y muchas otras preguntas se hace frente para saber cuántos libros existen en el mundo. En Google, concretamente en Google Libros, se enfrentaron a estos y un sin fin de planteamientos más para conocer la cantidad de libros que existen, así como para conseguir su objetivo: digitalizar la mayor cantidad posible de libros.
Entonces ¿qué es un libro? Google lo define de forma sencilla: un libro es un "tomo" del que puede haber miles de copias o solo unas cuantas (como en el caso de los trabajos académicos o el de los libros incunables). Pero aquí no terminan los problemas: los libros de tapa dura y blanda se cuentan cada uno como un tomo, pero las compilaciones de folletos, por ejemplo de una biblioteca, se cuentan como uno solo.
Existen 143,064,880 libros aproximadamente
A pesar de que existen clasificaciones y sistemas como el ISBN (estándar internacional para la identificación de libros) que otorga un número identificador para cada libro que se publica, no se puede sólo contar los ISBN que existen por varias razones: primero porque se trata de una clasificación que se realiza desde 1966, así que muchos títulos quedarían fuera si sólo se usara este sistema. Por otro lado, los ISBN no sólo se utilizan para libros como tal pues audiovisuales, películas y otros materiales tienen asignado un número ISBN. Por último, es un sistema no es muy usado en los países de oriente.
Como podemos imaginar, son muchos los factores que dificultan la tarea no sólo de contar los libros, que podría ser un objetivo sin mayor sentido que obtener un dato, sino para clasificar los libros que existen en una base de datos que esté libre de duplicaciones y bajo un orden sistemático. Google asegura que utiliza diversos algoritmos para esta labor, así como la metadata de las instituciones que participan en el proyecto.
Michael D Beckwith The Wool Exchange, Bradford, United Kingdom
La UNESCO, como parte de sus labores, monitorea constantemente la producción de libros en cada país. El dato aproximado (y seguramente en ascenso cada año) es la cifra de los 2.2 millones de libros al año; esta cifra incluye nuevos títulos y reediciones. El top 5 de los países con más libros publicados al año es así:
China con 440,000
Estados Unidos con 304,912
Reino Unido con 184,000
Rusia con 101,981
India con 90,000
Estos datos pertenecen al año 2013. Reino Unido es el país que publica más libros per capita que ningún otro. Por su parte, España se encuentra en la posición 11 con 44,000 (en 2011); México en la posición 42 con 7,521 (en 2012). A la cabeza de los países latinoamericanos se encuentra Argentina en la posición número 16 con 28,010 (en 2014); a este le sigue Brasil en la posición 20 con 20,792 (en 2012).
Pablo López Luz fotografió desde el aire la división entre los dos países en su proyecto Frontera.
Cuando el fotógrafo mexicano Pablo López Luz inició su proyecto Frontera en 2014, nadie hablaba de Donald Trump, ni del muro fronterizo, ni las deportaciones a los migrantes. Sin embargo, para el mexicano la frontera entre Estados Unidos y México ya era en ese momento un tema muy importante y, a pesar de que son muchas las fotografías que se han tomado de la frontera entre los dos países, López Luz decidió iniciar su propio proyecto desde el aire.
Frontera se llevó a cabo durante cuatro viajes en helicóptero, desde donde el mexicano fotografiaba las líneas que separaban México de Estados Unidos. En el primer vuelo en helicóptero desde Monterrey no salió absolutamente nada. "Solo hay una fotografía porque en ese lado la frontera es el río, no hay frontera física. Más tarde, logré conseguir un helicóptero desde Estados Unidos y empezar a fotografiar desde San Diego", explica Pablo López Luz.
En total, el fotógrafo calcula que, entre los cuatro viajes, voló un total de 25 horas hasta conseguir el material suficiente para su proyecto. En la mayoría de las fotografías no hay ninguna diferencia perceptible entre lo que puede ser territorio estadounidense o mexicano. Todo es tierra, desierto, y el único indicio de vida humana que vio el mexicano fueron las patrullas fronterizas del lado de Estados Unidos, quienes "circulan con una camioneta en línea recta todos los días en un territorio desértico".
Las ciudades fronterizas son la única manera de percibir en qué lado o zona puede encontrarse López Luz, quien explicó en entrevista con Hipertextual:
La única diferencia entre las fronteras son las ciudades. Cuando llegaba a las ciudades, las de México están pegadas a las fronteras, mientras que las americanas están alejadas.
El proyecto Frontera no sirvió solamente para tener imágenes visuales de la frontera entre Estados Unidos y México. El fotógrafo mexicano logró, gracias a su trabajo, llegar a desiertos de piedra del estado de Chihuahua donde el GPS se desactivó al llegar. "No había nada, ni vida humana ni animal. Es el lugar más solitario en el que he estado en mi vida".
El reportaje fotográfico no se inició con la intención de remarcar conflictos políticos y diplomáticos entre los dos países aunque, tras la elección de Donald Trump como presidente de Estados Unidos, el fotógrafo reconoce que la relevancia del proyecto fue mucho mayor. "Me interesbaa mucho que fuera como un ensayo del pasiaje político de la frontera".
La exposición de Pablo López Luz se inauguró esta semana en la Ciudad de México y pasará por Argentina, San Diego, Los Ángeles y Canadá.
La versión de prueba del Lexus RX450h SUV incluye tecnología LiDAR, dos radares y una serie de cámaras.
Apple obtuvo hace dos semanas el permiso para probar su tecnología para coches autónomos en California y, este jueves 27 de abril se han publicado las primeras imágenes del vehículo en las calles de Silicon Valley.
Bloomberg
El coche Lexus RX450h SUV de color blanco fue equipado por Apple con una serie de sensores, que incluyeron la tecnología LiDAR de 64 canales, dos radares y una serie de cámaras, informó Bloomberg.
Bloomberg
El mismo vehículo de Toyota ha sido utilizado por otras empresas como Waymo de Alphabet o Zoox para poner a prueba sus tecnologías en coches autónomos.
A pesar de que se rumoreó que Apple podría construir su propio coche, varios informes confirmaron que la empresa se centraría en desarrollar un software autónomo para los coches existentes.
Un reporte del Departamento de Transporte de Estados Unidos arrojó que United es la aerolínea donde ocurrieron más muertes de animales en 2016.
Después de que United expulsara forzosamente a un pasajero del avión, la aerolínea estadounidense fue duramente criticada en las redes sociales. Este jueves 27 de enero, la fama de la línea aérea ha caído otro punto. De acuerdo con el reporte Air Data Consumer Report del Departamento de Transporte de Estados Unidos, United es la aerolínea local donde ocurrieron más muertes de animales en 2016.
Por segundo año consecutivo, la aerolínea encabeza las estadísticas, que arrojan que en 2016 murieron un total de nueve animales y 14 tuvieron lesiones durante el vuelo. El reporte pone a Delta Airlines en segundo lugar con cinco muertes y cinco lesiones.
El Air Data Consumer Report ha salido a la luz después de que un conejo gigante muriera durante un vuelo de United Airlines. El conejo, Simon, murió por causas desconocidas y su cuidadora afirmó que lo ocurrido fue muy extraño ya que no era la primera vez que transportaba conejos en avión y Simon había sido revisado por un veterinario antes del vuelo.
La asociación The Humane Society recomendó a las personas con mascotas que consideren los riesgos de subirlas a un avión y que busquen alternativas de transporte para los animales. "Desalentamos fuertemente que su mascota viaje por aire en la bodega de un avión, puede ser peligroso y estresante", afirmó la organización.
El director estadounidense Jonathan Demme nos ha dejado a la edad de 73 años. He aquí todo lo que nos brindó a los cinéfilos tras las cámaras.
Cuando la muerte condena al silencio a personas que nos han hecho pasar ratos inolvidables, lo único decente es recordar todo lo que nos han aportado. Así que ahora que Jonathan Demme ha corrido esa misma suerte, que es la de todos, hablemos de lo que ha significado su carrera para el séptimo arte y para la experiencia cinematográfica del mundo entero. Nació en la pequeña localidad neoyorkina de Baldwin, situada en el condado de Chemung, en febrero de 1944, y era hijo de un ejecutivo de relaciones públicas y un ama de casa. Se graduó en la Escuela Superior del Sudoeste de Miami y, después, estudió en la Universidad de Florida, en cuyo periódico se dedicó a publicar críticas de cine.
Quería convertirse en veterinario, pero las asignaturas de química precisas para llegar a serlo se le atragantaron un poco, y como sus análisis cinematográficos llamaron la atención del productor Joseph E. Levine, este le contrató como escritor de publicidad, y tras reunirse con el cineasta Roger Corman en Londres mientras trabajaba en la promoción de su película bélica Von Richthofen and Brown (1971), se unió a su plantilla de guionistas, el mismo entorno del que habían salido antes nada menos que los directores Peter Bogdanovich y el gran Francis Ford Coppola. Así, su debut en el cine fue coguionizando el thriller de acción Angels Hard as They Come (Joe Viola, 1971), que produjo Corman y tuvo como actor principal a Scott Glenn, con quien Demme trabajaría más adelante siendo ya director.
Su primer largometraje como tal fue el drama erótico Caged Heat (1974), al que le siguió la comedia kitsch de acción criminal Crazy Mama (1975), cuyo cierre indignó a Corman por el tratamiento último que le daba a los delincuentes protagonistas. Luego llegó Fighting Mad (1976), drama también de acción, y la comedia dramática Handle with Care (1977). Se estrenó en la pequeña pantalla en 1978 con el episodio “Murder Under Glass” (2x07) de la serie de misterio Colombo (Richard Levinson y William Link, 1971-2003). El thiller Last Embrace (1979) fue su siguiente largo, tras el que vino la comedia dramática Melvin and Howard (1980).
Anthony Hopkins, Jodie Foster y Jonathan Demme en los Oscar - EW.com
Entre 1980 y 1986, dirigió segmentos de tres episodios de la cómica Saturday Night Live (Lorne Michaels, desde 1975), el capítulo “Who Am I This Time?” (1x04) de la antológica American Playhouse (PBS, 1982-1996) y algunos de Alive from Off Center (PBS, 1984-1996). La comedia Swing Shift, el documental Stop Making Sense (1984), sobre un concierto de los Talking Heads, el cortometraje televisivo Survival Guide (1985), la comedia romántica Something Wild (1986), la también comedia pero dramática e independiente Swimming to Cambodia (1987), el episodio “A Family Tree” (1x01) de la cómica Trying Times (1987-1989) y el documental político para televisión Haiti Dreams of Democracy (1988) fueron los proyectos que abordó después.
Continuó con Married to the Mob (1988), comedia dramática de mafiosos, y por fin nos regaló sus dos mejores obras: el thriller oscarizado The Silence of the Lambs (1991), que adapta la segunda novela de Thomas Harris con el psiquiatra antropófago Hannibal Lecter y en la que Glenn interpretó al supervisor del FBI Jack Crawford, y el drama terrible sobre el sida que es Philadelphia (1993), por el que Tom Hanks ganó su primer Oscar. Sin perder el tiempo, se lanzó a por el mediometraje documental The Complex Sessions (1995), el segmento “Subway Car from Hell” de SUBWAYStories: Tales from the Underground (1997), el documental musical Storefront Hitchcock (1998) y el drama Beloved (1998), acerca del racismo decimonónico.
Tom Hanks, Jonathan Demme y Antonio Banderas en el rodaje de 'Philadelphia' - EW.com
The Truth About Charlie (2002) fue su primer remake, en este caso, de Charada (Stanley Donen, 1963), al que le siguió el documental político The Agronomist (2003), sobre el reportero y activista haitiano Jean Dominique, la intriga de The Manchurian Candidate (2004), remake de la película homónima (John Frankenheimer, 1962), los documentalesNeil Young: Heart of Gold (2006), el primero de tres que rodó sobre el cantautor canadiense, y el político Jimmy Carter Man from Plains (2007), el drama familiar Rachel Getting Married (2008), que se basó en sus recuerdos sobre el alcoholismo de su propia madre, los documentales Neil Young Trunk Show (2009), I’m Carolyn Parker, acerca de la última mujer que abandonó su hogar durante el huracán Katrina, y Neil Young Journeys (2011).
Se atrevió con el piloto del drama médico A Gifted Man (Susannah Grant, 2011-2012), con los capítulos “Sandy* (1x06) y “Lonely Ghosts” (1x07), de la comedia dramática Enlightened (Laura Dern y Mike White, 2011-2013), con los documentales Enzo Avitabile Music Life y Kenny Chesney: Unstaged (2012) y, este último año, con el episodio “I’m Carolyn Parker: The Good, the Mad, and the Beautiful” (25x08) de la serie documental P. O. V. (Marc Weiss, desde 1988). Luego se centró en el drama independiente A Master Builder (2013), en los capítulos “Reckoning” (3x09) y “Eden” (4x09) de la misteriosa The Killing (Veena Sud, 2011-2014), en el corto documental What’s Motivating Hayes, la comedia dramática musical Ricki and the Flash (2015) y el piloto de la serie miscelánea The New Yorker Presents (2015-2016).
Su carrera como cineasta terminó con el documental Justin Timberlake + the Tennessee Kids (2016) y el episodio “Hour 6: The Fire This Time” (1x06) de la serie policíaca Shots Fired (Reggie Rock Bythewood y Gina Prince-Bythewood, desde 2017). Durante la misma, su amigo Corman hizo cameos en varias de sus películas: fue Hayden Burke, director del FBI, en The Silence of the Lambs, el señor Laird en Philadelphia, el señor Secretario en The Manchurian Candidate y un invitado a la celebración de Rachel Getting Married.
Anne Hathaway y Jonathan Demme - LATimes.com
Como los actores Rhea Perlman y Danny DeVito, fue integrante del comité de dirección de los Amigos del Teatro Apolo, en la población de Oberlin, situada en el condado de Lorain de Ohio, y le nombraron Doctor Honorario de las Bellas Artes en 2013. “En estos momentos en los que no encuentro las palabras exactas, estoy del todo agradecida por la luz que todavía me deja verte por todas partes, en todo”, ha escrito Anne Hathaway, protagonista de Rachel Getting Married, tras el fallecimiento de Demme. “Gracias por partir en dos el corazón que ahora se rompe por ti (algo que siempre vale la pena)”.
Y Jodie Foster, que ganó su único Oscar como actriz por encarnar a Clarice Starling en The Silence of the Lambs, ha dicho lo siguiente en un comunicado: “Tengo el corazón roto por perder a un amigo, un mentor, un tipo tan singular y dinámico que tendrías que diseñar un huracán para contenerlo”. Y a continuación: “Jonathan era tan extravagante como sus comedias y tan profundo como sus dramas. Era pura energía, un animador imparable para cualquier persona creativa”. Así que no hay silencio ante su muerte sino declaraciones semejantes, y eso revela mejor que cualquier otra cosa la importancia personal de un cineasta Jonathan Demme.
Nintendo lanza una versión más económica de la 3DS XL. Se llama 2DS XL, y, como su propio nombre indica, ofrece todas las virtudes de la 3DS XL, salvo el 3D.
Pese al reciente lanzamiento de Switch, Nintendo planea prolongar la vida de la gama 3DS, predecesora de la Switch. La compañía ha lanzado una nueva versión de esta consola, denominada Nintendo 2DS XL, y hereda todo lo bueno de la 3DS XL, salvo el 3D.
A cambio, Nintendo rebaja su precio hasta los 149 dólares, realizando un movimiento similar al que ya hizo con la Nintendo 2DS. Esta nueva consola, eso sí, cuenta con una pantalla abatible, a diferencia de la Nintendo 2DS original.
Estará disponible a partir del 28 de julio en los principales mercados de Nintendo, entre los que se incluye España.
Aunque nunca se hable de ella, Joma es uno de los referentes del emprendimiento español.
Año 1965. La tele era en blanco y negro, los profesores podían dar clase a sus niños fumando, de hecho se podía fumar en todas partes, incluso en los aviones; en el coche no había que usar el cinturón de seguridad y se podía volver a casa achispado; la delantera del Madrid la formaban Puskas, Gento y Amancio; las únicas elecciones que había en España eran las de la comunidad de vecinos. En este contexto, Fructuoso López creó Joma a los veintidós años, justo después de acabar el servicio militar. Una marca made in Spain que comenzó con la fabricación de ropa y calzado para hacer deporte. Su nombre, como se presume, se debe a José Manuel, el primogénito de Fructuoso que hoy es CEO de la compañía. Más de medio siglo después, Joma compite directamente con Nike, Adidas, Puma y compañía. Gigantes multinacionales contra una empresa que sigue manteniendo sus naves en el pueblo en el que nació, Portillo de Toledo, un municipio manchego que apenas supera los 2.000 habitantes. Empecemos por el principio.
Joma comenzó con vocación familiar y únicamente ocho empleados trabajando con quince pares de hormas y una máquina Singer de la época, todo ofrecido por el anterior jefe de Fructuoso, que trabajaba por las tardes en un taller de calzado. Los ocho primeros empleados de la marca estaban enfocados sobre todo en la fabricación de zapatillas para el deporte de forma artesanal en Portillo de Toledo, un pueblo que ni por aquel entonces ni ahora tenía un tejido industrial que pueda parecer apropiado para un negocio textil así. Sin inversiones, sin deudas, y sin experiencia empresarial, primero se especializó en atletismo y poco a poco fue yendo a más con su marca.
La mayoría de la plantilla de Joma en 1965. Imagen: Joma.
En 1967, con lo ganado durante sus primeros años de actividad y un crédito de 612.000 pesetas que tuvo que pagar en cuatro años, la empresa, que ya contaba con veinte empleados se constituyó de forma oficial como una sociedad anónima y se trasladó a su primera fábrica como tal, de 500 metros cuadrados. También se creó lo más parecido a un logotipo propio que, como se puede ver en la imagen, tenía más intención que experiencia de cara al diseño, incluso para tratarse de la década de los sesenta y una España que comenzaba a levantar cabeza tras la posguerra.
Algo más de una década después, comenzó la Joma que podemos identificar como tal, con el logotipo que sigue manteniendo a día de hoy, incluido el águila. Pasó de su primera fábrica de 500 metros cuadrados a otra de 2000 metros cuadrados. En esa época, Joma todavía estaba identificada sobre todo por el atletismo, aunque su catálogo iba más allá y tocaba varios deportes. A finales de los ochenta alcanzó su primer gran hito en el mundo del fútbol, cuando comenzaron a patrocinar a dos estrellas de la liga de fútbol española: Martín Vázquez, del Real Madrid, y Francisco, del Sevilla. Un año después, en 1988, dieron el salto a otra estrella del Madrid y a una del F.C. Barcelona: Emilio Butragueño y Txiqui Beguiristain. También apostaron por la publicidad a través de las vallas de los estadios de fútbol, algo hoy muy natural pero novedoso hace más de treinta años, sobre todo por tratarse de algo que no fuese tabaco ni brandy.
Hablar de finales de los ochenta y principios de los noventa en el fútbol, especialmente en el español, es hablar de una época que tiene poco que ver con la actual. Tiene que ver con 1994 como punto de inflexión: aquel año se celebró el Mundial de Estados Unidos, un país volcado con el baloncesto, el béisbol, el fútbol americano y el hockey, y por tanto con escasa tradición futbolística. Con el soccer en casa, Nike se dio cuenta del enorme negocio al que estaba dando la espalda, y comenzó a edificar su reinado en él a través de la selección brasileña y su campaña comercial. Con ella, Nike dejó de ser identificada únicamente como marca orientada al baloncesto. Luego llegaron Cantona, los patrocinios, las camisetas del United, China y Oriente Medio, y el panorama para las marcas no volvió a ser el mismo. Adidas capitalizó el hueco dejado por Nike, y otros pocos se repartieron las migas.
De esta forma, marcas añejas con fuerte presencia en el fútbol español hasta entonces, como la valenciana Kelme o la catalana Meyba, no levantaron cabeza. Todo pasó a americanos y alemanes. Joma, por su parte, encontró un resquicio para desmarcarse del resto: las botas de colores, algo en lo que cayó en la cuenta Fructuoso cuando se dio cuenta de que el mismo proceso de tintado de pieles para bolsos podía aplicarse a las botas. Algo que hoy parece tan obvio como que el calzado pueda salirse del riguroso negro, que llegó a su gloria con las míticas Adidas World Cup, era a principios de los noventa algo insólito... hasta que llegó Fructuoso.
Alfonso y Morientes
Los dos delanteros de moda de la selección española durante los noventa, con el permiso de Raúl y Julen Guerrero, eran Alfonso Muñoz y Fernando Morientes. Y ellos fueron los pioneros en salirse del negro en sus botas. Alfonso se hizo famoso por sus botas blancas (que pasaron a ser doradas cuando fichó por el Barça, cosas de la alergia catalana al blanco) y Morientes por sus botas rojas. La jugada le salió redonda a Joma: era algo tan llamativo y diferencial que todo el mundo sabía qué marca usaban esos dos iconos del deporte nacional... y además, querían ser imitados por los niños. Por si fuera poco, Clemente, seleccionador español entonces, añadió leña al marketing cuando quiso prohibir a Alfonso que llevara esas botas ya que "con las botas blancas los defensas te pueden ver por el rabillo del ojo". Definitivamente, eran otros tiempos.
La crónica del debut de Morientes con el Real Madrid en 1997 en El País se tituló "El delantero de las botas rojas", ya que las venía usando desde su etapa en el Zaragoza. De hecho, era así como se referían a ambos en prensa y radio durante las narraciones deportivas. En algunos casos, incluso de forma peyorativa, pero lo importante es que se hablaba de la novedad y causaba impacto. Si todo esto hubiese ocurrido en 2017, y no en 1997, a Fructuoso le hubieran aconsejado ponerse un pseudónimo, afeitarse el bigote y dar entrevistas y charlas hasta la saciedad, además de poner su empresa en pérdidas para inflar su valor en bolsa. Pero no. Tanto en 1997 como en 2017, Fructuoso sigue siendo Fructuoso, y defiende con orgullo su planta en Portillo de Toledo... toda vez que la mayoría de la producción pasó a China hace tiempo. En la nave añeja queda, sobre todo, el diseño y el I+D.
Esos años, la década de las Spice Girls, los Tamagotchi y los muelles arco-iris, fueron los mejores tiempos de Joma en cuanto a prestigio en los terrenos de juego y las canchas. Fermín Cachó logró la medalla de oro en los 1.500 metros lisos en los Juegos Olímpicos de Barcelona '92 con unas Joma en sus pies, y el equipo de atletismo de Joma había fichado a José Luis González, hasta entonces recordman mundial de esa misma distancia. Además se comenzaron a patrocinar equipos de fútbol, como el teutón Bayer Uerdingen, y se incorporaron más figuras de renombre, como el gaditano Kiko Narváez, quien se sumó a la lista de delanteros de moda en el fútbol español.
Para entonces, todas las marcas habían seguido los pasos de Joma y habían añadido colores, texturas y elementos estridentes varios a sus botas. El Mundial de Francia en 1998 fue radicalmente distinto al de cuatro años antes en cuanto a calzado. Mientras que en el americano lo monopolizaban las botas negras, si acaso con algún toque cromática, como Diadora con su logo en amarillo en lugar del tradicional blanco, en el francés hubo una explosión de color, empezando por Adidas con sus Predator o Nike con sus Mercurial R9, una edición exclusiva para Ronaldo (El Fenómeno) que acabó siendo lo que hoy llamaríamos un meme más que unas botas. El primer gran triunfo internacional de Nike. ¿Cuánto creen que costó la imagen de un veinteañero Ronaldo con las botas anudadas al cuello tras la final?
Esa imagen tan icónica y valiosa para Nike también significaba el triunfo de Joma, capaz de cambiar toda una industria desde una nave de Portillo de Toledo. Poco antes de aquel Mundial había expandido su negocio a México, y poco después, a Estados Unidos. El resto de la expansión internacional siguió su curso hasta alcanzar los 70 países en los que tiene presencia a día de hoy.
Otro gran punto de inflexión fue el del fatídico gol de Alfonso en el último minuto del descuento del partido contra Yugoslavia en la Eurocopa de 2000. España necesitaba marcar un gol más (y la remontada ya estaba en curso) para pasar a octavos de final, y fue la bota blanca del madrileño quien lo logró. Otra imagen para la historia que supuso un bombazo en las ventas de las botas blancas.
Para Joma este fue el empuje que necesitaba, ya que durante algún tiempo muchas tiendas de deporte rechazaban las botas de colores. Tanto fue así que Fructuoso decidió regalar varios pares a esas tiendas bajo la condición de que estuviesen colocadas visibles en los escaparates. Aquello sirvió para que, sin riesgo alguno, las tiendas comprobasen que había una demanda real.
Los patrocinios también fueron aumentando. A principios de siglo comenzó a vestir al Sevilla F.C. y con él estuvo durante una década, algo que ocurrió simplemente en el momento perfecto: justo cuando el equipo sevillano se hizo grande y comenzó a cosechar éxitos nacionales e internacionales. Algunas de las instantáneas más importantes de la historia del club tuvieron lugar con sus hombres vistiendo Joma.
Joma comenzó a patrocinar al Getafe C.F. cuando se convirtió en equipo de primera división, y a Pepe Reina justo antes de que formase parte de la plantilla que ganó el Mundial de 2010. No tuvo tanta suerte en 2011, cuando comenzó a vestir a un Valencia C.F. que había dejado atrás sus mejores tiempos y comenzó un escarceo con los terceros puestos que no duró tanto como ahora muchos quisieran. El matrimonio con los ches duró menos, y coincidió en el tiempo con apuestas diversificadas: pádel, ciclismo, atletismo, fútbol sala, tenis... Joma, posiblemente consciente del rodillo imparable de Nike y Adidas, así como la llegada de otros gigantes al escenario futbolístico, como New Balance o Under Armour, se concentró en otros deportes. A su vez, el diseño también se fue modernizando. La "J" redondeada y de aspecto inocente que popularizaron Morientes y compañía dio paso a otra más agresiva que imprime sensación de velocidad, dicen las malas lenguas que con el único propósito de parecerse más al swoosh de Nike.
En 2015 se convirtió en patrocinador oficial y suministrador del equipo español para los Juegos Olímpicos de Río 2016, así como para los de Pyeongchang 2018 y Tokio 2020. Aunque la noticia tuvo un regusto amargo cuando el nombre de la marca saltó a las portadas por negarse a vestir también al equipo paralímpico, algo que tradicionalmente solía hacer sin retribución la marca que vestía al olímpico, para Fructuoso fue una de las mayores satisfacciones de su vida. Como explicó en su día:
"Después de 50 años, que tus atletas te representen en un acontecimiento tan importante, por primera vez en unos Juegos Olímpicos en Río, es una satisfacción tan grande que borra todos los sacrificios y momentos malos que puedas haber tenido en tu vida empresarial."
También en 2015 sus ventas alcanzaron los 133 millones de euros, lo que le convierte en la primera empresa del ranking de fabricación de calzado, por delante de Pikolino's. Alfonso ahora, ya retirado, es parte del cuerpo técnico del Mallorca. ¿Adivinan qué botas lleva cuando salta al campo de entrenamiento?
Para el sector de los alquileres vacacionales, cada cuatro años hay que explicar las mismas cosas a los políticos.
Nacían en 2005, pero su origen está mucho más atrás en el tiempo. Mucho antes que el de su competencia actual más directa y que ha venido a trastocar un sistema bastante tranquilo hasta el momento. HomeAway, con origen en Estados Unidos, nacía desde el primer momento con vocación internacional y a través de compras muy bien seleccionadas.
En este caso particular, la experiencia parte como siempre de una experiencia personal de un fundador, Brian Sharples, que lejos de tener que trabajar al abrigo de un garaje en Silicon Valley y mendigando fondos, este ya venía con las tareas financieras hechas. Después de vender por una suma millonaria su anterior empresa decidió que era momento de darse un capricho, tanto para él como para su familia: un año sabático por el mundo. En este recorrido se dieron cuenta de que no había una única web a nivel global en la cual reservar alojamientos vacacionales, que no hoteles. Cada salto a un nuevo país se abría una nueva web que había que entender y aprender a usar. Un problema de ricos que bien podría ser una odisea para cualquiera en el mundo. A su vuelta, junto a Carl Shepherd y un poco de ayuda financiera de terceros –concretamente 49 millones de dólares–, nacía lo que hoy se conoce como HomeAway.
Con dos opciones de crecer, ya sea por la forma natural o por adquisiciones, la tecnológica se centró en la segunda. Como explica Joseba Cortazar de HomeAway, "los fundadores pensaron que las webs vacacionales ya existían y estaban posicionadas en el sector"; por esta razón, desde que se fundase, ha sumado un total de 22 adquisiciones estratégicas y seis inversiones a lo largo y ancho del mundo. Una muy bien posicionada VRBO en Estados Unidos, TopRural en España de François Derbaix vendida por una suma alta pero desconocida, Holiday-Rentals en Reino Unido y así sucesivamente hasta tener presencia mundial. Todo esto sustentado por un brazo financiero potente que ha aportado más de 510 millones de dólares en concepto de rondas de financiación por parte de siete inversores diferentes. Con esto, HomeAway logró entrar en el Nasdaq y tener beneficios en sus últimos registros contables publicados; al cierre de 2014 contaba con 446,76 millones en ingresos y 13,38 millones de dólares de beneficios. Sin un desglose por regiones, por aquello de la ventaja competitiva, según Joseba España ya era rentable dentro del grupo.
Y un día el comprador es comprado. El gigante del turismo Expedia se hacía con HomeAway por el módico precio de 3.900 millones de dólares. Era la primera vez que la valoración real de la compañía salía a luz en forma de precio de venta, pero seguimos sin saber los resultados desglosados de la compañía. En cualquier caso, la división de HomeAway controla 2 millones de alojamientos en el 190 países, de los cuales 100.000 de ellos están en uno de sus mayores mercados: España.
La llegada
Centrados en las framilies, ese concepto que se aleja de la concepción católica de la familia, su foco de negocio se ha fijado desde el principio en el alquiler de esa segunda vivienda en un entorno vacacional. Con un público sensibles al precio, pero no como único elemento importante, el mundo pronto se dio cuenta de que había un nuevo vecino en el barrio. En 2008 se presentaba el elemento discordante de la familia: Airbnb.
Focos distintos en el que Airbnb se centra en primeras residencias en urbes y HomeAway a las afueras en casas de vacaciones, pero competencia igual. Filosofía de posicionamiento diferente o modelos de negocio opuestos, lo cierto es que cada día se parecen más. Saben que tienen y deben competir para no desaparecer y, como comenta Joseba, "el público que tiene ahora 25 años –controlado por Airbnb– será nuestro público en el futuro". Hay que atraerles. Y, sin embargo, deben reconocer algo:
"Lo que sí es cierto es que Airbnb esta canivalizando el sector porque está teniendo una gran visibilidad, para bien o para mal. El modelo de la compañía ha tenido tanto éxito se está asimilando por el resto de las compañías, muchas de ellas anteriores a Airbnb".
Subirse al carro de la popularidad tiene sus pros y sus contras. Por una parte, los usuarios identifican a los diferentes jugadores como algo que marca tendencia; lo que, por definición, implica que las reservas aumenten. Por otro, puede que traiga muchos más problemas que beneficios. Es en este contexto cuando entra en juego la visión que tiene el mundo de las compañías y más concretamente los Gobiernos. La llegada de Airbnb ha hecho que sí, se popularice la actividad, pero también que todos caigan en el mismo saco político.
Las víctimas perfectas o cabezas de turco
Airbnb ha revolucionado un sector que siempre se ha mantenido al margen de todo; pero lo más importante es que lo ha puesto en la primera línea de la agenda política. Ha removido legislaciones y, al igual que pueda pasar con el concepto de Uber y BlaBlaCar, ha puesto en un brete a más de un grupo político que se ha tenido que mover entre ideología, equilibrio y legislación.
Después de tres años intentando hablar con ayuntamientos, delegaciones, comunidades y demás componentes de las instancias públicas, de explicar un modelo de negocio y las diferencias entre unos y otros, HomeAway no es que haya tirado la toalla, pero sí que se ha rendido al cuadriculado sistema político.
"A los cuatro años hay que volver a empezar porque cambia el Gobierno y en todo esto existe una gran falta de conocimiento por los distintos modelos que hay en el sector del alquiler vacacional. Pero si ellos entienden como economía colaborativa el hecho de poner en contacto a la gente para alquilar una casa de vacaciones pues lo somos".
El trabajo de diferenciación ha caído en saco roto y no va a ningún sitio, porque básicamente, según su experiencia, "ellos no lo entienden". Y tengan o no razón, lo cierto es que la hemeroteca habla por sí misma; ya son varias las multas por importes crecientes que se han sucedido en Barcelona, Madrid, Valencia o Baleares y en las que se ha metido a todo el sector en la misma liga. Y esto, desde el punto de vista de HomeAway, es un problema de "un sistema muy politizado e ideologizado" en donde sus mayores problemas coinciden con una línea política común que ha coincidido en estas regiones. Desde el punto de vista de las autoridades se es consciente de hay que mantener ese eterno equilibrio, sin favorecer a un mercado tradicional pero sin enfadarles tampoco, pasando por aceptar nuevas peticiones con cierto control rindiéndose a lo que la demanda quiere. Pero lo cierto es que algo está fallando.
Poniendo el ejemplo de Barcelona, cuna del turismo en España, todo explotó a raíz de unos turistas italianos causando problemas en un comercio local. De forma automática, el mundo miró al alojamiento vacacional como cebo para tipos de turistas poco convenientes. Según Joseba, "esto no es un problema de la vivienda, sino de un posicionamiento de un modelo de turismo. Y es que Barcelona ha invertido años y mucho dinero en posicionarse como uno de los líderes del mundo. Y lo ha conseguido, pero ahora tiene un problema y es que no ha crecido de forma responsable". Las moratorias aplicadas desde la llegada de Colau, que han intentado solucionar un verdadero problema, han causado quizá más problemas que soluciones. Bajo el pretexto del incremento del precio medio del alquiler de la vivienda en los núcleos urbanos, se ha establecido una moratoria a la concesión de licencias turísticas. Esto es que las que están se mantienen, las que se pierden no se renuevan y las que se otorgan deben estar fuera del centro de la ciudad. Sin embargo, de forma estimada, sólo el 10% de los pisos vacíos en Barcelona se dedican a uso turístico, por lo que la culpa de la subida del alquiler queda en entredicho. Una coyuntura económica que ha dejado de lado la posibilidad de compra de pisos en pro del alquiler, con una baja oferta histórica, puede que tenga algo que ver. Pero, como explica Joseba, "es mucho más fácil echarnos la culpa y ellos quitarse el tema de encima".
Por otro lado, queda el dilema de los problemas vecinales. Abierto el teléfono de la denuncia, al más puro estilo de la Inquisición, de 1.000 denuncias en la Ciudad Condal, sólo el 0,001% han venido por temas de residencia de vacaciones. Muchas menos que las de los hoteles.
En el lado contrario de la balanza nos encontramos a París que, tras una serie de atentados, ha visto como sus cifras de turismo han caído a niveles mínimos. Una actividad antes denostada se ha convertido ahora en uno de los recursos para intentar levantar unas cifras terribles. Como siempre en todo esto, todo depende de a quién se le pregunte y del interés que tenga en el tema.
Grandes barreras
La diferencia que mantiene HomeAway es que hay que entender requisitos diferentes para los que son fondos propietarios de cientos de viviendas para explotación turística y los que son personas normales que tienen una sola casa.
"Se está restringiendo la democratización del uso de la vivienda. Si cumplen con todos los requisitos pertinentes, por qué no pueden poner su vivienda en una plataforma. No es justo".
Si no se otorgan licencias, más de las que ya hay, lo más probable es que muchos de los propietarios opten por operar de forma ilegal; además de que las grandes barreras de entrada que exigen tener una condición de autónomo y pagos de tasas hacen que la actividad sea inviable. Para Joseba, el problema está en que "en Barcelona se ha criminalizado a los turistas desde hace un tiempo, pero es que ellos han estado dando de comer a la ciudad otro tanto".
El problema para ellos podría quedar resuelto en unos dos años aproximadamente, si las administraciones ponen algo de su parte y no se extralimitan en sus funciones. Insisten en que el control de la oferta debe ejercerse por parte de las instancias públicas y no por parte de las plataformas. La lucha entre unos se mantiene hasta nuevo aviso, todo suponiendo que no cambie de nuevo el color político.
Un año más, Sony vuelve a catalogar la cámara de su teléfono móvil como la mejor del mercado. Pero, ¿es cierto? ¿Cómo se comporta la cámara del Xperia XZ Premium frente al teléfono de referencia de la primera mitad de 2017 (Galaxy S8+)?
La relación de Sony con la fotografía móvil es un ejemplo perfecto de amor-odio. Diseñan y fabrican los mejores sensores fotográficos para teléfonos móviles, y nutren a productos como el Galaxy S8+ o el iPhone 7 Plus, referentes absolutos en este campo. En cambio, sus propios teléfonos, los de la gama Xperia, siempre quedan relegados a la zona media de la tabla en cuanto a fotografía se refiere. Inverosímil, ¿verdad?
La raíz de esta peculiar situación se encuentra en el software del teléfono. Las líneas de código que Sony incluye en cada uno de sus teléfonos son objetivamente inferiores a los algoritmos de procesamiento de imagen que empresas como Samsung o Apple utilizan. Por eso, pese a la clara superioridad técnica de los teléfonos de Sony, las propuestas de Samsung o Apple producen resultados notablemente superiores.
¿Es un caso más de decepción o, esta vez sí, el Xperia XZ Premium está a la altura de los mejores?
Con el Xperia XZ Premium, el fabricante asegura —una vez más— haber desarrollado la mejor cámara fotográfica del segmento móvil. Pero esta narrativa no es nueva. Sony ha repetido el mismo enunciado desde su la época junto a Ericsson; y, en la mayoría de ocasiones, no resultó ser cierta —al menos no con la rotundidad y firmeza con la que Sony lo promueve—.
La pregunta es inevitable: ¿es un caso más de decepción o, esta vez sí, el Xperia XZ Premium cuenta con la mejor cámara fotográfica de la industria móvil? Para responder a esta pregunta, probamos de forma conjunta el nuevo teléfono de Sony y el Galaxy S8+. Estos son los resultados:
Fotografía 1 — Planta
Samsung Galaxy S8+
Sony Xperia XZ Premium.
Colores vivos, buenas condiciones de luminosidad, máxima resolución y todo automático en ambos casos. Cada teléfono, en esta situación particular, maneja la escena de una forma diferente. El Xperia XZ Premium representa una imagen más natural y neutra. El Galaxy S8+ apuesta por la viveza y el realce de las zonas más oscuras, apoyándose muy probablemente en el modo HDR (automático).
El S8+ difumina algo más los detalles de las hojas. En parte, se debe a la menor resolución (12 megapixeles) del teléfono de Samsung. El Xperia XZ Premium, en cambio, eleva esa cifra hasta los 19.
Fotografía 2 — Exteriores
Samsung Galaxy S8+.
Sony Xperia XZ Premium.
En este caso, la resolución extra del teléfono de Sony permite definir mejor los edificios del fondo, así como algunas texturas del primer plano. En cambio, si observamos el fragmento de mar visible, el S8+ logra más detalle y una imagen menos difuminada que el Xperia XZ Premium, que parece ser “acuarela”.
Nuevamente, los colores del teléfono de Sony son más naturales, mientras que los del S8+ son más vivos y llamativos. El modo HDR automático también parece haberse activado en el S8+ para esta captura, dada la gran iluminación de las sombras y los elementos más oscuros de la escena.
Fotografía 3 — Barquito
Samsung Galaxy S8+.
Sony Xperia XZ Premium.
El teléfono de Sony, nuevamente, aprovecha sus 19 megapixeles para definir más algunos elementos de la escena. El cartel situado en la zona trasera del barco es más nítido en la imagen tomada por el Xperia XZ Premium.
No sucede lo mismo con la textura del mar, donde el Xperia XZ Premium logra un resultado menos nítido pero más natural. El Galaxy S8+ parece aplicar algo de nitidez artificial en esa zona para compensar su inferioridad en resolución.
El XZ Premium también toma una imagen ligeramente más contrastada que el S8+. El teléfono de Samsung, en este caso, muestra unos colores más neutros y realistas que el teléfono de Sony, aunque la diferencia es casi despreciable.
Fotografía 4 — Flor de plata
Samsung Galaxy S8+.
Sony Xperia XZ Premium.
A diferencia de las fotografías anteriores, donde cada teléfono presentaba una serie de pros y contras, en esta fotografía en interiores, el Xperia XZ Premium es el teléfono ganador. Más contrastada, mejores colores, pero, eso sí, algo menos de nitidez que el S8+.
Fotografía 5 — Edificio interior
Samsung Galaxy S8+.
Sony Xperia XZ Premium.
En interiores y escenas complejas, el teléfono de Sony comienza a mostrar sus debilidades. Las luces que penetran por los ventanales son ignoradas por el Xperia XZ Premium, mientras que el rango dinámico del S8+ le permite resolverlas con mayor eficacia. La temperatura de color de la escena es también menos realista en el caso del Xperia XZ Premium.
El S8+ ilumina más de lo necesario las sombras, perdiendo algo de contraste respecto al Xperia XZ Premium y haciendo los colores algo más pálidos. Samsung suaviza algo mejor el ruido de la escena.
Fotografía 6 — Cartel Xperia
Samsung Galaxy S8+.
Sony Xperia XZ Premium.
Aquí hay un claro ganador, y es el teléfono de Samsung. El Xperia XZ Premium resuelve la escena con menos nitidez, más ruido y menos luminosidad. El de Samsung lo hace todo mejor en este caso.
Conclusiones
Sony ha progresado con el Xperia XZ Premium. El teléfono de la compañía japonesa es claramente mejor en el aspecto fotográfico que sus predecesores, y eso es un buen síntoma para el fabricante.
Los resultados, comparados de forma directa con el Galaxy S8+, en cambio, no son tan positivos. Tiene muchos puntos a favor (como el acertado contraste o la fidelidad de los colores que captura), pero el software sigue jugándole malas pasadas. El rango dinámico es algo peor, se apoya menos en el modo HDR para resolver escenas complejas, la cámara es algo más lenta, y suele resolver peor el ruido que el teléfono de Samsung.
Sony puede exprimir mucho más el conjunto fotográfico del teléfono.
La sensación general es que Sony puede exprimir mucho más el conjunto fotográfico del teléfono. El sensor es superior al del Galaxy S8+, y hay varias evidencias de ello. Un buen ejemplo es la resolución: la diferencia numérica (12 vs 19 megapixeles) no es tan evidente en las capturas tomadas por ambos teléfonos, con resultados muy parejos en ese aspecto.
Antes de entregar el teléfono para su prueba, Sony reconoció que algunas partes de las unidades eran susceptibles de cambios antes de su lanzamiento comercial, por lo que los resultados del teléfono que llegue a las tiendas puede ser algo mejor de lo reflejado en esta pieza. No obstante, no es la primera vez que Sony (al igual que muchos otros fabricantes) advierte de software “no final” y, el teléfono que acaba llegando a las tiendas, resulta ser igual —o muy similar— a la unidad a la que nos dieron acceso previamente.
Nota: todas las imágenes están alojadas en el servicio de imágenes de Hipertextual (img.hipertextual.com). Si quieres ver los archivos originales y descargarlos sin compresión, puedes acceder al álbum completo haciendo click aquí.
La segunda temporada de Sense8 se estrenará muy pronto para todos los suscriptores de Netflix. Te decimos lo que nos ha parecido (sin spoilers).
El próximo 5 de mayo se lanzará para todos los suscriptores del servicio Netflix la segunda temporada de Sense8, serie de ciencia ficción a cargo de Lana Wachowski y J. Michael Straczynski. En Hipertextual tuvimos la oportunidad de disfrutarla con antelación y esto es lo que nos ha parecido.
(Esta reseña no contiene spoilers).
Bien podemos decir que Sense8 "la ha hecho de nuevo". En su segunda temporada nos entrega 10 episodios llenos de preciosas secuencias con música increíble en cámara lenta a la menor provocación. Sin embargo, no todo es visual, mantendrá a los fans pendiendo de un hilo en cada episodio, les complicará las cosas, les presentará nuevos personajes y los hará sentir mucho (mucho) a lo largo de esta entrega.
Luego del especial de Navidad, que nos pareció más que nada un regalo para los seguidores de la serie (pero del que no tenemos queja alguna), esta segunda temporada arranca justo en donde se quedó ese episodio. Nuestro grupo: Lito, Sun, Nomi, Kala, Will, Riley, Wolfgang y Capheus siguen cada uno en su propio drama, así como en la problemática que comparten, sobre todo Will y Riley: Whispers les pisa los talones.
Sense8
Whispers (Terrence Mann), ese temido villano que persigue a los sensates con objetivos siniestros y no del todo claros será un verdadero tormento en esta temporada. Llevará al grupo (cluster) a los límites en muchos sentidos, lo cual hace que descubran tramas bastante interesantes. Como conocer a otros sensates y otros clusters, así como el funcionamiento de esa red extrasensorial que ellos conforman y que vive entre los Homo sapiens.
La historia se enriquece muchísimo con los nuevos personajes. Los lleva a evolucionar como sensates así como en sus propias historias. Lo más agradable de una buena serie es cuando, una vez instalados luego de una primera temporada, aprovecha bien sus recursos y los explota. Sense8 hace esto y con grandes resultados.
Sense8
Como ya somos parte de ese cluster, vamos desentrañando los detalles, siempre con el peligroso Whispers detrás de nosotros. Esto hace que los episodios sean amenos, llenos de acción y de drama. También conoceremos mucho más sobre las propias realidades de cada sensate y sus complejidades, esto los hace personajes mucho más redondos (y queridos).
¿Demasiado?
Sense8
Si bien es cierto que los fanáticos de cepa de Sense8 con seguridad disfrutarán la serie, también lo es que a los no muy enganchados les resulte demasiado. Y es que esta segunda temporada nos la pone difícil: en muchas ocasiones parece que jamás está claro de qué va lo que está sucediendo en pantalla.
Esta es quizá la debilidad de la temporada: la complejidad de una trama que es difícil de captar, no tanto por los numerosos enredos en las historias y sí porque a veces corre el atrevidísimo riesgo de parecer que están jugando con nosotros. Evidencia que se han tomado bastantes licencias dramáticas y las piezas parecen no embonar.
Todos somos sensates
Sense8
Claro que lograr que una serie como esta funcione ya es un logro a todas luces, así que algunos hilos sueltos no sorprenden. Eso sí, jamás deja de ser emotiva y totalmente entrañable. En eso repite con la primera: nos hace sentir muchísimas cosas; toca temas vitales como la reciprocidad con los demás, el amor, la sexualidad, las diferentes formas de vida del mundo, la venganza. Nos da la oportunidad de conocer más allá de nuestras narices, nuestra burbuja social o de género. Nos pone a pensar y esto es fantástico.
Sense8 explota los sentidos: lo que vemos, oímos, pensamos y sentimos es mucho durante esta segunda temporada. Y no sólo hallaremos drama; en esta temporada encontraremos mucho humor, Lito (Miguel Ángel Silvestre) y Bug (Michael X. Sommers) lo hacen increíble, le dan el toque de comedia necesario para adorarlos.
Sobre el cambio de actor para el papel de Capheus (a.k.a. Van Damme), Toby Onwumere lo hace muy bien, y si bien en el especial de Navidad no nos quedó claro si encajaría del todo en el reparto, en esta temporada se instala en pleno y nos da un buen Capheus, se gana su lugar. Por nuestra parte, no echamos de menos a Aml Ameen, quien salió de la serie en mitad del rodaje de la temporada.
Cuando se estrenó la primera temporada, nos preguntábamos: "¿Qué tal lo han hecho los Wachowski en Netflix?", y entonces nos parecía una serie compleja, de muchas piezas y muy interesante. Tal como entonces, creemos que estamos ante una serie que vale mucho la pena, que disfrutaremos inmensamente verla y nos hará sentir muchas cosas.
PD.: seguimos pensando que Amanita es la mejor novia del mundo.
En octubre del año pasado Google lanzó los teléfonos Pixel y Pixel XL, la incursión de la compañía en la creación de smartphones de su propia firma.
Pero como todo debe llegar a su fin, Google ha anunciado en su plan de actualizaciones para Android que Pixel y Pixel XL podrían dejar de tener actualizaciones de software disponibles para octubre del 2018. Asimismo ha revelado que las actualizaciones de seguridad para estos teléfonos probablemente terminen un año después, en el 2019.
Los móviles Pixel vivirán lo suficiente para recibir el Android O, a estrenarse el próximo otoño, el cual promete mejoras para la ejecución de tareas en segundo plano.
'Raw' combina el descubrimiento personal, el humor negro y el horror en una película muy peculiar.
Cuando Justine, una chica vegetariana y bastante inocente, come carne por primera vez al iniciar sus estudios la facultad de veterinaria su vida cambia para siempre.
A la par que descubre un insaciable gusto por la carne cruda, Justine conoce el mundo fuera de casa de sus padres - un par de estrictos veterinarios vegetarianos- y comienza a forjar su propio camino gracias a los brutales ritos de iniciación impuestos por los estudiantes universitarios más avanzados.
Esta es la premisa de Raw, la ópera prima de Julia Ducournau, quien de manera inteligente logra integrar la aventura del autodescubrimiento al cine de terror. Una mezcla que ha conseguido la atención del público y de la prensa desde que el filme hizo su debut en los cines comerciales esta primavera.
Vómitos y desmayos entre el público
Desde el año pasado Raw arrasó en los festivales de cine ganando el premio de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica en Cannes, y formando parte de la selección de los festivales de Sitges, Sundance y el Fantastic Fest.
Pero fue durante el Festival de Cine de Toronto cuando la película alcanzó la fama mundial después de que supuestamente las escenas de violencia explícita de la cinta causaran vómitos y desmayos entre los asistentes.
A partir de ese rumor, promovido principalmente por el agente de relaciones públicas de Raw, la cinta fue recibida con grandes expectativas entre los amantes del cine de terror del resto del mundo, alcanzando su punto más álgido en la primavera del 2017 cuando llegó a los cines comerciales.
Sin embargo, la directora confesó estar harta de contestar preguntas respecto a los desmayos en Toronto y dijo en diversas entrevistas que esta anécdota era un distractor de la verdadera intención del filme.
Raw es un filme feminista
Ante todo, Julia Ducournau ha dejado claro en las charlas con la prensa que el tema del cuerpo humano es central para la historia. No solo se trata de la obsesión y principal deseo de la protagonista, una caníbal, sino que la forma en la que se retrata el cuerpo femenino en el filme es la declaración política de la directora.
“No quería glamourizar nada, especialmente con los cuerpos de las chicas”, dijo la directora para The Guardian, “en cada película que vemos las mujeres tienen que ser hermosas y atléticas o entrar en cierto canon, pero no; las mujeres se tiran pedos, hacen caca, orinan, eructan”.
En el filme, Docournau va un paso más allá de retratar cuerpos de chicas comunes haciendo cosas ordinarias, sino que también explora los claroscuros de las relaciones fraternales y las imposiciones de género.
Cuando Ducournau nos presenta a la hermana de Justine, Alexia "la oveja negra de la familia", comienzan los problemas. No es casualidad que el canibalismo en la película se desencadene a raíz de un accidente con unas tijeras mientras las hermanas discuten sobre la obligatoriedad de la depilación en el área del bikini.
Un cortometraje de 2011 vaticinó Raw
Aunque se trata de la ópera prima de Ducournau, la semilla de Raw se encuentra en un cortometraje llamado Junior, donde la directora trató por primera vez en pantalla la rivalidad entre hermanas y las metamorfosis de la adolescencia.
Además de repetir motivos, se trató de la primer "bocado" que Docournau probó de los premios de Cannes. Junior , también protagonizado por la fantástica actriz Garance Malliner, ganó el Petit Rail d'Or durante la Semana de la Crítica en Cannes en 2011.
Como ya es una costumbre, ha llegado el momento en el que repasamos los avances de películas que se estrenaron durante la semana. En esta ocasión tuvimos bastantes tráilers de películas que se estrenan durante el verano (del hemisferio norte). Ajustemos nuestras agendas para estos meses.
Antes algunas de los artículos destacados de la nuestra sección de cine y televisión.
Lo que el mundo necesitaba: otra película de tiburones asesinos. Esta cinta del director Johannes Roberts se estrenará en junio de este año. Mandy Moore, Claire Holt y Matthew Modine participan como protagonistas. Durante la semana se estrenó su segundo tráiler.
Valerian and the City of a Thousand Planets
La nueva cinta de Luc Besson está basada en la novela gráfica Valérian y Laureline publicada en 1967 por el autor francés Pierre Christin. El estreno de esta película de ciencia ficción está programado para el próximo mes de julio, está protagonizada por Cara Delevingne, Ethan Hawke, John Goodman entre otros. Este es el spot para televisión que se dio a conocer durante la semana.
Hounds of Love
Esta película de drama y crimen fue escrita y dirigida por Ben Young. Su trama luce bastante perturbadora. En junio de este año comenzará su estreno por salas comerciales.
Okja
La nueva cinta de Joon Ho Bong se estrenará en el Festival Internacional de Cine de Cannes y más tarde, en junio, en Netflix. El promocional estrenado durante la semana es un clip sobre la Corporation Mirando, compañía que tiene mucho que ver en la trama de la cinta. Con una genial Tilda Swinton al frente nos habla de la empresa y su proyecto, además nos invita a visitar su sitio oficial.
Transformers: The Last Knight
Michael Bay estrenará otro título más de esta franquicia en junio próximo, lanzamiento que coincide con el 10 aniversario de la misma. El personaje de Mark Wahlberg, Cade Yaegar, se volverá a alinear con los Dinobots. Este tráiler se titula "Optimus Prime vs. Bumblebee".
Colossal
Nacho Vigalondo es el director y escritor de esta película cómica de ciencia ficción protagonizada por Anne Hathaway, en donde hace el papel de una chica que por alguna extraña razón está conectada psiquicamente con un monstruo que asola la ciudad. Durante la semana se estrenó el tráiler #3.
Cars 3
La nueva cinta Disney Pixar que nos espera el próximo mes de junio es esta tercera entrega de la franquicia 'Cars'. Brian Fee es el director de la cinta animada y, como podemos ver, el Rayo McQueen se enfrenta al final de su carrera, veamos qué tal le va.
Tulip Fever
Esta cinta dramática que se desprende de la novela de Deborah Moggach está dirigida por Justin Chadwick y fue escrita por Tom Stoppard (Shakespeare in Love). El reparto es más que especial: Alicia Vikander, Judi Dench, Christoph Waltz y Zach Galifianakis, entre otros. Tuli Fever será estrenada en cines en agosto de este año.
Once upon a time in Venice
Mark Cullen, Robb Cullen son los creadores de esta película de comedia y acción que protagonizan Bruce Willis y Jason Momoa. Será en junio de este año cuando esté llegando a las salas de cine.
Kingsman 2: the golden circle
La secuela de la cinta de 2014 se estrenará el 6 de octubre en España. Durante la semana fue lanzado este primer trailer. Como director repite Matthew Vaughn.
La respuesta encierra un sinnúmero de peculiaridades interesantes, tanto sociales como culturales. Veamos algunos de ellas.
Los alimentos y platillos que día a día consumimos, así como las costumbres tienen un profundo trasfondo histórico y antropológico. Un platillo tradicional cualquiera es el resultado de una serie de encuentros (o choques) culturales. Y de esto damos cuenta si nos detenemos a apreciar la mesa medieval.
La Edad Media comprende desde el siglo V (a la caída del Imperio Romano) y hasta el siglo XV, en el año 1492 cuando fue descubierto el continente americano, otros autores indican el año 1453, cuando cayó el Imperio Bizantino.
Cómo se comía en la Edad Media y sobre todo qué se comía en esa época dependía completamente de la posición social a la que se pertenecía, esto no parece una gran noticia o diferencia a la actualidad, pero sí encontraremos peculiaridades muy interesantes sobre este aspecto y otros como el que muchos alimentos que son comunes en las actuales cocinas de los países europeos fueron introducidos hasta después del descubrimiento de América o que los abusos y escasez de algunos alimentos influyeron directamente en padecimientos comunes de la época.
Pan, vino y cerveza
Si algo se comía en grandes cantidades era el pan. El pan podía constituir hasta el 70% de la ración diaria de alimento de las personas de la época. Las clases bajas comían pan de centeno, cebada, alforfón, mijo y avena. Las harinas refinadas como la de trigo con el que se fabricaba el pan blanco las consumían principalmente las clases altas.
El pan podía constituir hasta el 70% de la ración diaria de alimento de las personas de la época
El pan se acompañaba con otros alimentos, se les denominaba "companagium". Una costumbre ampliamente presente en las mesas medievales eran los sops, que consistía en pequeños pedazos de pan con vino, sopa, caldo o incluso una salsa. De este platillo se derivan varias preparaciones en forma de sopas de la cocina europea actual como las sopas de ajo castellanas o las panzanellas italianas. Otros potajes preparados para acompañar el pan son precursores de platillos tradicionales actuales, como la adafina, popular entre los sefardíes presentes en España medieval, que bien puede ser el antecesor del cocido madrileño, la olla podrida de Castilla y León y el pote gallego asturiano. También de platillos como el Pot au feu tradicional de Francia y otros de Alemania y Marruecos.
Para acompañar el pan nada de agua sino vino, cerveza o sidra. Recordemos que en esa época las medidas higiénicas eran más bien precarias y el agua en general era un foco de transmisión de enfermedades. Por esto la presencia de bebidas fermentadas como la sidra, el vino, el aguamiel y, por supuesto la cerveza.
El consumo de cerveza era impresionante. Fuentes sugieren que en los países escandinavos se bebía hasta 6 litros diarios por persona. Si bien es cierto que era muy ligera en cuanto a los grados de alcohol que presentaba, la cantidad consumida por los escandinavos raya en el abuso. Sin embargo, debemos tomar en cuenta que la cerveza y el vino eran preciados también por su contenido alimenticio y de esto, sobre todo en las clases bajas, no había muchas opciones para hacerse de proteínas e hidratos de carbono como las presentes en la cerveza.
Las bebidas más comunes eran la cerveza, el vino, el aguamiel y la sidra
En países mediterraneos se acostumbraba mucho más el vino. Se bebía de distintas formas: solo, con agua o especiado con jengibre, cardamomo, pimienta, granos de paraíso, nuez moscada, clavos y azúcar. La distribución de los vinos, y en general de todos los alimentos, se dificultaba por la ausencia de métodos de conservación, así que los viñedos que subsistieron fueron aquellos a orillas de ríos importantes. Dos vinos medievales muy populares fueron el hipócrás o ypocrás usado más que nada con fines medicinales; se elaboraba con vino tinto y blanco al que se le añadía miel o azúcar y especias. El otro vino fue el claurell que data del siglo XIV, presente solo en mesas de las clases altas. De su nombre se deriva el clarete.
La leche en cambio no formaba parte de la dieta común, ni se producían muchos derivados de la misma, sobre todo, y una vez más, por que las técnicas de conservación eran muy limitadas.
Carne y caza
Común comida medieval - arenques picados, pasteles de higos fritos, puerros y sops, pan de trigo o de cebada, nueces
La carne no era, como podemos suponer, un alimento que consumieran con frecuencia las clases bajas. El consumo de cerdo era lo más común, no así la vaca o la ternera. La carne era abundante en las comidas de las clases altas, se les consideraba de mayor alcurnia que los platillos a base de cereales o verduras.
En cuanto a las aves, de estas se consumían diversos tipos: cisne, codorniz, perdiz, cigüeña, alondra y patos salvajes. La caza se reservaba a las clases altas y la nobleza, siervos y campesinos tenían prohibido cazar. Era signo de poder y dominación de los territorios ofrecer en los banquetes animales de la caza. Los animales eran troceados y cocinados para luego ser presentados "armados" y adornados, si eran aves, con sus propios plumajes.
Las clases bajas comían los hígados, vísceras, patas, orejas y la sangre de los cerdos. En España ya era común la morcilla con piñones y pasas. El pescado se comía aunque en muchos casos en salazón, sobre todo en lugares lejanos a los mares. En países mediterráneos se acostumbraba comer moluscos como ostras y mejillones.
Vegetales y ricas especias
Clavos
Los vegetales y otros productos del campo como las leguminosas estaban presentes en los platillos medievales. Sin embargo, cabe recordar que varios vegetales muy comunes en la actualidad no existían en la Europa medieval, tales como las patatas, las judías verdes, cacao, tomates, pimientos, fresas y el maíz. Su introducción al continente europeo después del descubrimiento de América transformaron las cocinas del mundo.
Por otro lado, las especias eran consideradas un lujo, algunas sólo podían ser consumidas por las clases altas como el azafrán. La pimienta y la canela eran especias muy populares. Eran usadas para casi todas las comidas y, como mencionábamos líneas arriba, para especiar el vino.
Etiqueta y costumbres
La práctica medieval más común era comer dos veces al día: un almuerzo cercano al mediodía que consistía la comida fuerte y una merienda más ligera. La iglesia católica y ortodoxa tuvieron una gran influencia en los hábitos alimenticios. Se consideraba, por ejemplo, que los banquetes nocturnos propiciaban el juego, la lujuria y demás actividades no bien vistas.
La práctica medieval más común era comer dos veces al día
En los banquetes reales o nobles se disponían amplios tablones con manteles los cuales eran usados para limpiarse. No se usaban las servilletas, ni los juegos de cubiertos, sólo las cucharas y solo para algunos platillos. En cuanto a los cuchillos se esperaba que los comensales hicieran uso del propio, era común portarlos para usos múltiples. La etiqueta también marcaba que se podían usar hasta tres dedos para comer y era común compartir la escudilla y vasos con los comensales. Eso sí, antes de la comida se acostumbraba a ofrecer aguamniles y paños para lavarse las manos y la cara.
El anfitrión de la casa, sobre todo si era de la nobleza, usaban sus propias copas, muchas veces de oro y con joyas. Repartir el ejemplar que había cazado era un gran honor y usaba su propia espada para partir la carne. Se invitado a pinchar era un privilegio para los invitados.
Comilonas y hambrunas
El consumo elevado de carne en las clases altas causó enfermedades muy comunes en ella como la gota, propiciada por los elevados niveles de ácido úrico que producía la ingesta abundante de carne. Por otro lado, las clases bajas se enfrentaron a enfermedades diversas por la falta de variedad en sus platillos o ausencia de ciertos nutrientes, como el caso de la vitamina C, por lo que era muy común el escorbuto. También se enfrentaban a diversas enfermedades por la falta de higiene y productos de baja calidad o en mal estado como el denominado "Fuego de San Antón" o ergotismo, una enfermedad producida por un hongo que se cría en el centeno en mal estado. Los efectos de ingerir las micotoxinas de esos hongos van desde alucinaciones, convulsiones y contracción arterial, que puede conducir a la necrosis de los tejidos y la aparición de gangrena en las extremidades principalmente.
Las poblaciones de la edad media se enfrentaron a diversas hambrunas, devastaciones por la guerra y un enemigo terrible: la peste negra o peste bubónica, la cual afectó a Europa durante el siglo XIV y se cobró la vida de al menos un tercio de la población continental. Algunos autores refieren que incluso fue hasta el 60% de los europeos de la época. Es considerada una de las las 10 pandemias más letales en la historia de la humanidad.
Recetarios
Llibre de Sent Soví
El Llibre de Sent Soví fechado en torno al año 1324 es un libro vital para conocer la historia de la alimentación europea en la Edad Media y particularmente los orígenes de la cocina catalana.
Otro interesante libro sobre este tema es 'The Mediveal Cookbook' de Maggie Black en donde se realiza un recorrido por la época a través de recetas y más que nada un análisis de las historias y costumbres de distintas regiones europeas. El recetario presenta las recetas originales así como sus adaptaciones modernas para prepararlas en la comodidad de nuestro hogar y época.
Los berserker han inspirado muchas manifestaciones de la cultura popular. Más allá de ser una figura fantástica, eran reales y los más letales de todos.
Los berserker (o berserks) fueron un tipo de guerreros de los pueblos nórdicos con características muy especiales. Han despertado gran admiración entre propios y ajenos de la cultura vikinga, sin embargo, estos guerreros inspiraron un profundo terror en su época y no por poca cosa.
Estos guerreros se destacaban por su agresividad, eran algo así como las fuerzas especiales de los grupos vikingos. Se les distinguía por ir semidesnudos y vestidos con pieles de animales. Además, claro, de su actitud eufórica en combate casi fuera de control, se dice que estos parecían insensibles al dolor, que mordían sus escudos en el frenesí de su estado alterado y que se dirigían al peligro sin ningún miramiento.
La agresividad fuera de lo común de los berserker se adjudica al consumo del hongo Amanita muscaria
Estudiosos de la cultura vikinga explican que esta agresividad fuera de lo común se debía a la ingesta del hongo Amanita muscaria, también conocido como matamoscas o falsa oronja, la cual contiene una droga psicoactiva que puede producir efectos alucinógenos. Se dice que el uso de los hongos y otras plantas antecede a la época vikinga, lo cual hace muy factible que los berserker los utilizaran con estos propósitos.
El consumo de Amanita muscaria en ciertas cantidades llega a ser venenoso; aunque parece que los guerreros preparaban las cabezas de los hongos, que es donde se encuentran las sustancias alucinógenas, cocidas en agua y alcohol. Algunos autores sugieren que los efectos secundarios del consumo de esta droga, que van desde nauseas, vómitos, sudoraciones, salivación excesiva y pérdida de equilibro hasta desmayos, se podrían haber evitado bebiendo la orina de alguien que hubiera comido el potaje de hongos.
Placa de bronce de la era de Vendel, encontrado en Öland.
Diversos estudios han encontrado que el efecto de las sustancias psicoactivas está completamente ligado al estado de ánimo de quien las consume. Por esta razón se adjudica el frenesí agresivo y bélico de los berserker a la disposición de combate que caracterizó a los vikingos en general. Su actitud de combate se incrementaba al máximo, a tal grado, que se volvieron el terror de las poblaciones que los vikingos saqueaban, las cuales se ubicaban en territorios de la actual Francia, Inglaterra, Escocia e Irlanda. Los berserker iban a la cabeza de estos grupos.
Una teoría indica que el origen etimológico de «berserker» se deriva de berr («desnudo») y serkr (prenda de vestir similar a una camisa). Otra teoría afirma que deriva del germánico berr («oso»), ya que solían usar pieles de animales como osos y lobos. Con su aspecto animal, pues iban vestidos hasta con las cabezas de estos animales, y su actitud desenfrenada no es raro que se les consideraba una verdadera amenaza.
Otra característica de los berserker es que profesaban una gran devoción por el dios nórdico Odín, su dios supremo y del que creían eran elegidos para ser guerreros de esta clase. Los berserker son mencionados en diversas sagas nórdicas importantes como en la saga de Egil Skallagrímson y la Hrólfs saga kraka.
Más tarde, en el año de 1015 el jarl Eirik Hákonarson, también conocido como Eric de Noruega, declaró a los berserker fuera de la ley. En Islandia se hizo lo mismo en el código Grágás, y para el siglo XII los berserker ya habían desaparecido.
Queda su imagen, su ferocidad, su descripción en las sagas de los pueblos nórdicos y, sobre todo, queda en el imaginario colectivo como una figura fascinante, y casi fantástica, pues ha inspirado varios videojuegos y muchas otras cosas: canciones, bandas de música, películas, personajes de cómics y hasta un luchador de la WWE.
El realizador estadounidense James Gunn vuelve a la carga con la secuela de Guardianes de la Galaxia (2014), otro ejemplo más de lo absurda que es la opinión de que segundas partes nunca fueron buenas.Ya se había encargado de la primera película, que fue un éxito de público y recibió elogios de la crítica casi unánimemente, así que a nadie ha de extrañar que los productores le quisieran al frente de la segunda ni que a él le encantara dirigirla. Tampoco se trata de la primera vez que Gunn nos había ofrecido un largometraje con los elementos genéricos de sus filmes para Marvel Studios, con fantasía, ciencia ficción, alienígenas y superhéroes: ahí están para demostrarlo Slither (2006), una historia excesiva a todas luces y bastante desagradable sobre una virulenta invasión extraterrestre desde un pueblecito americano, y Super (2010), desentonada e inverosímil propuesta acerca de un triste individuo que decide convertirse en un héroe enmascarado así, por las buenas, careciendo de habilidades para ello.
Sin embargo, Guardianes de la Galaxia es más space opera que ciencia ficción pura, es decir, sus responsables están más preocupados por las aventuras espaciales que hace posibles la tecnología futurista y no por el propio desarrollo tecnológico futuro de la humanidad y sus implicaciones, y en ese sentido, la anterior entrega era la primera incursión de Gunn en dicho subgénero, al que también corresponde la saga de Star Wars y, aunque algo menos, la de Star Trek. Y esto hay que dejárselo muy claro a todos aquellos que nos leen, porque la responsabilidad de cualquier informador, analista o crítico que se tenga por alguien mínimamente profesional es exponer hechos y conclusiones con el rigor y el respeto debidos a la verdad, que siempre está en los matices, y al público que tiene a bien prestarnos su atención precaria y revoltosa.
No cabe duda de que haberle dado a Gunn la oportunidad de capitanear algunas adaptaciones del Universo Cinematográfico de Marvel, a la vista de los dos frutos que este cineasta yanqui ha hecho caer de su árbol enorme, le ha aportado mesura en los modales como director y pulcritud como guionista, por mucho que lo que va de la saga de Guardianes de la Galaxia sea lo más desenfadado y gamberro del UCM. Y parece difícil que resultase de otra manera, pues no os llevéis a engaño: que el derroche de estas películas apunte al espectáculo más comercial no implica que no se esfuercen por servirnos un producto lo mejor hecho posible, y aunque no lleguen a ningún podio cinematográfico salvo el de las virguerías técnicas y la taquilla en el mundo entero, así es evidentemente en lo que respecta a Marvel Studios.Con estos mimbres, podemos asegurar tranquilamente que Guardianes de la Galaxia, vol. 2 (2017) es el mejor de los cuatro largometrajes que Gunn ha realizado hasta la fecha, a años luz de sus pecados contra el cine por los excesos cometidos en Slither y del propósito desenfocado y poco creíble de Super, superando incluso a su predecesora, que ya era la preferida de muchos cinéfilos de cuantas nos ha dado el UCM. Y prevalece sobre ella porque, siendo igual de imponente, de fastuosa y de prolija en sus efectos visuales, también es más graciosa, más divertida y, al final, contra todo pronóstico, revela un gran corazón que la empuja a una emotividad imprevista y muy de agradecer. Y, pese a que esto no es gran cine, hay que decir que se equivocan los que piensan que las películas extraordinarias son simplemente las más intelectuales: el arte sin emociones verdaderas nace muerto.
Y Guardianes de la Galaxia, vol. 2 atesora emociones para dar y regalar, ya no sólo por su trepidación ni por la inquietud que causa en el espectador el peligro que corren sus protagonistas, con los que empatizamos fácilmente, sino también porque Gunn se ha permitido el lujo como guionista de avanzar varios pasos, pasos significativos, en la relación que se establece entre todos los personajes principales, en conjunto y por parejas. Lejos quedan ya los tiempos de los héroes monolíticos, que mostraban sus capacidades para resolver situaciones peliagudas pero sin evolucionar demasiado. Y tanta es la lejanía que esa evolución se encuentra en pleno apogeo hasta en el cine más comercial.
Y Gunn puede insistir todo lo que quiera en que este filme está protagonizado por marginados, lo cual es cierto, y que se dirige a marginados, pero esto último no cuadra tanto si tenemos en cuenta su presumible triunfo en las salas de cine y que, muy especialmente, todo tipo de espectadores pueden sentirse identificados con sus seres de ficción. Ya sea el seducido Peter Quill de Chris Pratt, la Gamora, menos fría, de Zoe Saldana, el incontenible Drax de Dave Bautista, su fenomenal risa estentórea y sus festejados comentarios sin filtro ni vergüenza; el terco Rocket Raccoon de Bradley Cooper, el reivindicado Yondu Udonta de Michael Rooker, que ha trabajado en los cuatro largos de Gunn y la secuencia más impresionante del filme, con su flecha, le pertenece; la irascible Nebula de Karen Gillan, la ingenua y sensible Mantis de Pom Klementieff o incluso el descacharrante y encantador Baby Groot, al que pone voz Vin Diesel y que procura una gran hilaridad durante el notable casi plano secuencia en el tramo inicial del filme.
El bueno de Kurt Russell despliega todo lo que sabe hacer como el enigmático Ego, a Elizabeth Debicki no se le mueve un pelo del sitio como la glacial Ayesha, Chris Sullivan sabe bien qué se espera de su Taserface y a Sean Gunn, hermano del jefe, se lo ve correctísimo como Kraglin. Ninguna de sus interpretaciones es portentosa, no hay detalles ni giros muy inteligentes en el guion de Guardianes de la Galaxia, vol. 2, la banda sonora de Tyler Bates cumple su cometido pero no deslumbra y la efectiva planificación visual de Gunn no merece bufido alguno por una sola tacha ni tampoco ningún encomio apasionado, o sea, la décima quinta película del UCM es todo lo gratificante que podría ser con este material adaptado y un director como Gunn a la cabeza, lo cual es más que suficiente.
7.5James Gunn se ha superado a sí mismo dirigiendo Guardianes de la Galaxia, vol. 2, pues mejora en diversión y emotividad respecto a lo que había conseguido en la primera entrega. Como cine de entretenimiento, es más que satisfactoria.- Lo graciosa, divertida y, finalmente, emotiva que resulta.
- Lo imponente, fastuosa y prolija en sus efectos visuales que es.
- El notable casi plano secuencia en el tramo inicial del filme.
- La impresionante secuencia de Yondu (Michael Rooker) con su flecha.- Que no hay detalles ni giros muy inteligentes en el guion.
- Que la planificación visual del director James Gunn no merece ningún encomio apasionado.
- Que no contiene ninguna interpretación destacada.
- Que la banda sonora de Tyler Bates cumple su cometido pero no deslumbra.
